概要

日本の伝統舞踊には、宮廷文化・宗教文化・民衆文化の中で何世紀にもわたって発展した、いくつかの関連する形態が含まれる。一般に二つの大きな区分として、近世（江戸時代）に発達した、より動きが大きく舞台向きの様式であるおどりと、能やそれ以前の宮廷的な実践に根ざす、抑制された円運動の様式である舞が区別される。現代の日本の古典舞踊は、しばしば日本舞踊という総称のもとで教えられ、上演されており、おどりと舞の要素を統合している。

特徴と技法

舞は一般に、ゆっくりとすべるような足運び、微妙な体重移動、上半身と手の表現を重んじる。舞踊家は、静かな制御と、型と呼ばれる反復的な様式化された動きを身につける。おどりは、舞と比べて、より明確な足さばき、跳躍、歌舞伎に由来する動的な姿勢、そしてより大きな演劇的身振りを特徴とする。衣装は、古典舞踊では全身を覆う着物が用いられることも多く、能の独特の面も見られる。音楽の伴奏には、三味線、笛、小鼓などが一般的に用いられる。

歴史的発展

両様式には深い起源がある。舞は、能の儀礼化された動きや貴族の宮廷舞踊から育ち、抑制と含意を重んじる節度ある美意識を形成した。おどりはその後、江戸時代の庶民演劇の興隆とともに現れ、力強い身体表現と見世物性が重視された歌舞伎と結びついている。17世紀以降、地域ごとの洗練も生まれ、たとえば京都で知られる京舞は、都にふさわしい洗練された宮廷的優雅さを発達させた。

京舞・地域流派と継承

京舞（京都風の舞）は、徳川時代に京都の演者や教師が宮廷的な作法と都の雅な趣を取り入れ、独自の体系へと発展させたものである。小さく精確な足運びと、動きの中に見られる控えめさの感覚が特徴とされる。日本の古典舞踊は、正式な流派（流）と長い徒弟修業によって守られており、学習者は師から系譜に基づく制度の中で、演目、所作、音楽の間合いを学ぶ。

上演の場と文化的役割

伝統舞踊は、公的な舞台、寺社の儀礼、より親密な場などで上演される。歴史的には、能も歌舞伎も男性中心であったが、時代が下るにつれて多くの古典舞踊は、特に家庭内や私的な上演の場で、主として女性によって演じられるようになった。舞踊は、季節の物語、歴史的物語、文化的記憶を伝える重要な担い手であり、現在も職業的実践とアマチュアの実践の両方のために教えられている。

特徴的な点と参考情報

覚えておきたい主な違いは、舞が円運動と静けさを重視し、おどりがリズムと見える足さばきを重視する点である。京舞は、舞の美学を京都風に洗練したものを表す。基本的な背景や関連項目については、伝統舞踊の概要、古典演劇の関連項目、地域様式を参照できる。歌舞伎に関する文脈は歌舞伎、能の影響については能が手がかりになる。上演の性別史や社会史は、パフォーマンスにおける性別、上演の場などで扱われる。京都の伝統と京舞の系譜は、京都の舞、京舞の演目から探れる。音楽伴奏や楽器については伝統楽器、正式な修業制度や流派については舞踊の流派と徒弟修業の伝統を参照するとよい。