電子音楽とは：シンセ・テープ・ミュージック・コンクレートの定義と歴史

電子音楽の定義と歴史をわかりやすく解説。シンセ、テープ音楽、ミュージック・コンクレートの誕生・技法・主要作曲家と発展を豊富な例で紹介。

電子音楽とは、シンセサイザーやコンピューターなどの電子機器を使って作られた音楽のことです。電子音楽のアーティストは、テープレコーダーを使って特殊な音を作ることもあります。

第二次世界大戦後、テープレコーダーが発明されて普及すると、作曲家たちはテープレコーダーを使って音楽を作るようになりました。演奏にはテープレコーダーが必要でした。作曲家たちは、様々な音を組み合わせるためにテープレコーダーを使用しました。時には、普通の（アコースティックな）楽器で演奏された音楽を、テープレコーダーによって何らかの形で変化させることもありました。また、水の音、交通騒音、鳥のさえずりなど、日常生活の中から音を取り入れることもありました。これらの音はすべて、テープレコーダーを使って作曲家の思い通りにまとめられています。音のテープは多くの場合、断片にカットされ、その断片は「接続」され、別の順序で元に戻されます。その結果は非常に興味深いものになることが多いのですが、問題もありました。ある人は「これは音楽なのか？"これは音楽なのか？また、コンサート中にテープレコーダーを見ているだけでは、生のミュージシャンの演奏を見ることができず、つまらないと思った人もいました。

1940年代、パリの作曲家たちは電子音楽の実験をしていました。彼らはそれを"Musique concrète"と呼び、自然で具体的な音を使っていました。この意味での"具体的"とは、演奏のために書き留められた"抽象的"な音楽の対極にあるものを意味していました。音は様々な速度で再生され、様々な方法で組み合わせられ、逆再生や連続再生（「ループ」で繰り返し）されたり、ミキサーで再生され、別のテープレコーダーに録音されたりしました。音にフィルターをかけることもできます。ビブラートやエコーなどの効果を加えることもできます。作曲家がシンセサイザーを使うこともありました。シンセサイザーはテープレコーダーの効果音よりも、普通の楽器に近い音がします。

コンピュータは電子音楽の作曲によく使われてきました。

起源と初期の実験

電子音楽の歴史は一足飛びではなく、複数の発明と試みが重なって発展しました。1920年代にはレオ・テルミン（テルミン）が登場し、1928年にはオンド・マルトノ（ondes Martenot）といった初期の電子楽器が生まれました。これらは「電子的に音を発生する楽器」として演奏され、従来の楽器とは異なる音色をもたらしました。

その後、第二次世界大戦後にテープレコーダーが普及すると、テープの速度変更、逆再生、切断（スプライシング）、ループなどの技術を用いた実験が盛んになりました。これが上の段落で触れたようなテープ音楽やミュージック・コンクレート（Musique concrète）につながります。

テープ音楽（Tape Music）とミュージック・コンクレート（Musique concrète）

テープ音楽はテープそのものを素材として扱い、音を切り貼りして構成する手法です。フィールド録音や録音された楽器音を加工し、編集によって新しい時間構造やテクスチャを作り出します。一方、ミュージック・コンクレートは特にパリの作曲家たち（ピエール・シェフェールら）によって提唱され、「具体的な」自然音・人工音を素材にして音楽を構築するアプローチを指します。

主な技法：

• スピード（ピッチ）変更、逆再生
• テープの切断と貼り合わせ（スプライス）
• テープループによる反復
• フィルターやエフェクト（ビブラート、エコー、リバーブなど）による音色変化
• 多重録音やミキシングによる層構造の作成

シンセサイザーと合成の技法

1960年代からは電子回路を用いて音を直接合成するシンセサイザーが登場しました。モーグ（Moog）やブックラ（Buchla）などのアナログ・モジュラー・シンセサイザーは、オシレーター、フィルター、エンベロープ、LFOなどのモジュールを組み合わせて音を作ります。代表的な合成法には次のようなものがあります：

• 減算合成（Subtractive synthesis）：豊かな倍音をもつ波形からフィルターで不要な成分を取り除いて音色を作る方法。
• 加算合成（Additive synthesis）：多くの正弦波を足し合わせて音色を構築する方法。
• FM合成（Frequency Modulation）：一つの波を別の波で変調して複雑な倍音構造を生む方法（Yamaha DX7など）。
• サンプリング：実音をデジタル録音（サンプル）し、再生・加工して演奏する技術（Fairlight CMIなど）。
• グラニュラー合成：短い断片（グレイン）を大量に重ねることで質感を作る手法。

コンピューター、MIDI、DAWの登場

コンピューターは1950年代から音響合成やアルゴリズム作曲のために使われてきました（Max Mathewsらの研究が有名）。1970年代以降、デジタル技術の進歩で、音の処理と合成はより精密で柔軟になりました。1983年のMIDI規格の誕生は、シンセサイザー、シーケンサー、ドラムマシンなど機器間の通信を標準化し、電子音楽制作を大きく変えました。

1990年代以降はパーソナルコンピューター上で動くDAW（Digital Audio Workstation：例 Pro Tools、Ableton Live、Logic Pro など）が普及し、録音・編集・合成・ミキシングが一つの環境で可能になりました。これにより、電子音楽はより広範なアーティストに開かれ、ジャンルや表現方法が多様化しました。

ジャンルの広がりと現代の状況

電子音楽は実験音楽の領域にとどまらず、ポップスや映画音楽、ゲーム音楽、ダンスミュージック（テクノ、ハウス、ドラムンベース等）、アンビエント、シンセポップ、インダストリアルなど多くのジャンルに取り込まれています。ライブでは、サンプラーやシンセ、コンピューターを使ったソロやバンド編成、アナログ機器を組み合わせたハイブリッドな演奏が一般的です。近年はモジュラーシンセの再評価や、ソフトシンセ、プラグイン、モバイルアプリの発展によって、制作ツールへのアクセスがさらに容易になっています。

論争と受容

初期には「これが音楽か？」という疑問や、ライブ演奏としての魅力についての批判がありました（上段落で触れたように、テープのみの上演を退屈と感じる聴衆もいた）。しかし技術と表現の幅が広がる中で、電子音楽は現代音楽の中心的な一分野となり、映画音楽・サウンドデザイン・ポップスなどへ深く影響を与えています。

代表的な人物・スタジオ（学習のための参考）

• ピエール・シェフェール（Pierre Schaeffer）／ミュージック・コンクレートの先駆
• ピエール・アンリ（Pierre Henry）
• カールハインツ・シュトックハウゼン（Karlheinz Stockhausen）／電子音楽と前衛音楽の重要人物
• デルイア・ダービーシャー（Delia Derbyshire）／BBC Radiophonic Workshop、電子音響実験
• ウェンディ・カルロス（Wendy Carlos）／シンセサイザー音楽の普及に貢献
• Kraftwerk、Brian Eno 等（ポップ／エレクトロニカ分野への影響）
• 主要スタジオ：GRM（Groupe de Recherche Musicale）、WDR電子音楽スタジオなど

はじめるためのヒント

電子音楽を学びたい場合は、次のようなステップが有効です：

• 身近な録音機材でフィールド録音を試す（スマホでも可）
• 無料または市販のソフトシンセやDAWで基本的な合成・編集を学ぶ
• テープ時代の技法（ループ、逆再生、スプライシング）をデジタルで再現して理解を深める
• 歴史的な作品を聴いて（シェフェール、シュトックハウゼン、ダービーシャー等）、手法と文脈を学ぶ

電子音楽は技術と創造性が密接に結びついた分野です。機器やソフトの変化に伴い表現も変わりますが、基礎となる「音をどう見るか（素材として扱うか）」という姿勢は共通しています。

質問と回答

Q:エレクトロニック・ミュージックとは何ですか?

Q:作曲家がテープレコーダーを使って音楽を作るようになったのはいつからですか?

Q:テープレコーダーを使って、どのように特殊な音を作ったのですか?

Q:電子音楽の実験はどこで始まったのですか?

Q:彼らはどのような手法で楽曲を制作したのでしょうか?

Q:このような作曲をめぐって、何か論争があったのですか?

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