編曲とは？音楽アレンジの定義・歴史・技法をわかりやすく解説

編曲とは何かを定義から歴史・実践テクニックまで初心者にもわかりやすく解説。音楽アレンジの基礎と応用を学べる完全ガイド。

作曲物の編曲とは、オリジナルとは異なる楽器や楽器の組み合わせで演奏できるように、音楽の一部を再加工することである。例えば、ピアノ伴奏で一声のために書かれた曲を合唱団でパートごとに歌えるように編曲したり、バイオリンのための曲をクラリネットで演奏できるように編曲したりすることがあります。編曲をする人は、作曲家自身かもしれませんし、他の人かもしれません。

音楽史の中では、作曲家が作曲した曲は、様々な楽器で演奏したり、歌ったりすることができると言って出版されることが多かった。例えば、16世紀後半にイギリスの作曲家がマドリガルを出版した際には、歌い手が歌ったり、バイオリンで演奏したりすることができると述べていました（「声楽にもバイオリンにも適している」）。古典音楽の時代には、作曲家はヴァイオリンやフルート、リコーダーで演奏できることを明記したソナタを出版することがあります。ヴァイオリニスト、フルート奏者、リコーダー奏者は皆、その音楽を買いたいと思っているかもしれないので、これはより多くのコピーを売るのに役立ちました。これはある意味では編曲ではありませんが、音楽に何の変更も加えられていないので、実際には編曲ではありません。

しかし、ヴァイオリンやチェロの曲をヴィオラで演奏できるように編曲する場合、ヴィオラが違うキーで演奏していたり、和音が元々の書き方よりもぎこちなくなっていたりすることがあるので、多少の変更が必要になることがあります。これは編曲です。

リムスキー・コルサコフの「マルハナバチの飛行」のような人気曲は、バイオリン、木琴、チューバなど、ほとんどすべての旋律楽器で演奏することができます。これらはすべて編曲です。

合唱団とオーケストラのための曲を合唱団員が使用するために印刷する場合、オーケストラのパートは、リハーサルのためにピアノで演奏できるように、二段に印刷されています。これも編曲の一種です。

音楽の歴史の中で、多くの作曲家が他人が作曲した曲を編曲してきました。これは、作曲を学ぶためだけでなく、他の楽器で演奏できるようにするためでもあります。例えば、ヨハン・セバスチャン・バッハはヴィヴァルディの4つの協奏曲をオルガンで演奏できるように編曲しました。

編曲は、自分のために書かれた曲があまりない楽器を演奏する人たちによって行われることが多いです。ビオラ、ギター、チューバなどを演奏する人は、より多くのレパートリー（演奏する曲数）を持つために、他の曲を編曲することがよくあります。

他の作曲家が書いたオーケストラのための作品のオーケストレーションに変更を加えることがある.これは、曲が書かれてから楽器が変わっていたから、あるいは単に自分たちの方がうまくできると思ったから、という理由で行われたのかもしれません。例えば、モーツァルトは、ヘンデルが知らなかったであろうクラリネットなどの楽器を追加して、「ハンデルのメサイア」を編曲しました。リムスキー・コルサコフは、ムソルグスキーのオペラを改良したつもりで編曲したのである。

演奏者が何らかの障害を持っているためにアレンジが行われることもある。片腕しかなかったピアニストのシリル・スミスは、妻のフィリス・セリックとピアノのデュエットを演奏していました。彼らはピアノのデュエットを3本の手で演奏できるようにアレンジしました。

よく知られているクラシックの曲を「ジャズ化」したり、映画や劇場での公演のために、よりポピュラーに聞こえるようにアレンジしたりすることがありますが、これは良いことではないと思うことがあります。これは良いことではないと音楽家は思うこともあります。スウィングル・シンガーズのような小さなボーカルグループが、バッハなどの作品を軽快にアレンジしていることもあります。

編曲とは何か：目的と範囲

編曲（アレンジメント）は、単なる楽器の置き換えだけでなく、音色・和声・リズム・構成などを意図的に変えて、特定の演奏状況や聴衆、表現意図に最適化する創造的な作業です。原曲のメロディーや基本的な構造を保ちながらも、演奏しやすさや表現力を高めるために改変を加えます。逆に、原曲から大胆に離れて新しい解釈を作ることも編曲の範囲に入ります。

編曲と関連用語の違い

• 転写（トランスクリプション）：原曲の音をできるだけ忠実に別の楽器・編成へ写すこと。編曲より保守的な場合が多い。
• オーケストレーション：主に器楽作品の楽器配分や音色設計に焦点を当てる作業。編曲の一部となることもある。
• リダクション（縮約）：オーケストラ等の大編成をピアノ伴奏や小編成にまとめること。リハーサル用のピアノ・リダクションが典型。
• リハーモナイズ：和声進行を置き換え、曲の響きを変える手法。ジャズのアレンジで頻出。

代表的な編曲技法（実践的）

• 移調・転調：演奏者の音域に合わせる、あるいは曲の雰囲気を変えるため。
• 音域調整：楽器や声の適切なレンジに合わせてオクターブを上下させる。
• 和声の変更（リハーモナイズ）：テンションを加えたり、モードを変えたりする。
• 伴奏パターンの変更：アーティキュレーションやリズム・フィールを別ジャンル風にする。
• テクスチャーの操作：メロディーをソロにするか和声に埋めるか、対位法を導入するかなど。
• ヴォイシングと分配：和音の配置（どの楽器がどの声部を担当するか）を工夫する。
• 省略と追加：鳴らす必要のないパッセージを削り、独自の間奏や導入を追加する。
• 演奏上の配慮：特定楽器の奏法（トレモロ、ダブルストップ、スライド等）を活かす。

歴史的・教育的な役割

歴史的に多くの作曲家が他者の作品を編曲して学び、また演奏機会を増やしてきました。たとえばバッハはヴィヴァルディの協奏曲を鍵盤用に編曲し、その技法や構造を学んでいます。編曲は作曲技術を学ぶ一つの方法であり、同時に楽曲をより多くの演奏者・聴衆に届ける手段でもあります。

編曲と著作権・クレジットの注意点

編曲は原曲の「二次的著作物」と見なされることが多く、著作権が存続する楽曲を編曲する場合は原著作権者の許可が必要になることがあります。また、出版・録音する際には編曲者のクレジットを明示するのが一般的な慣習です。公表や商用利用をする場合は、法的な確認を行ってください。

実務的なアドバイス（これから編曲を始める人へ）

• まず原曲の構造（形式・和声進行・主要メロディー）を丁寧に分析する。
• 編曲の目的（演奏者の人数、楽器、コンサート用か録音用か）を明確にする。
• 主題（メロディー）を尊重し、必要に応じて装飾や変奏を加える。
• MIDIやピアノで試奏し、実際の楽器の特性を確認する。
• 演奏者と相談し、現場での実用性（音域、テクニック）を優先する。

編曲の価値と創造性

編曲は単なる模写ではなく創造的な芸術行為です。原曲に敬意を払いながら、新たな色彩や解釈を付与することで、作品は別の文脈や世代にも生き続けます。伝統的な編曲から現代的な大胆な再解釈まで、編曲は音楽文化を豊かにする重要な役割を担っています。

参考として、上に挙げたとおり多くの著名な編曲例（バッハのヴィヴァルディ編曲、モーツァルトによるヘンデル作品の再編、リムスキー・コルサコフによる編曲など）は、編曲がどのように作曲家自身や後世の演奏に影響を与えてきたかを示しています。初心者はまず小さな課題曲から始め、徐々に大胆な改編へ挑戦すると良いでしょう。

質問と回答

Q:編曲とは何ですか?

Q:編曲は通常誰がするのですか?

Q:音楽史における作曲家は、しばしば自分の作曲物をどうしたのでしょうか?

Q:これはどのようにして、より多くのコピーを売るのに役立ったのでしょうか?

Q:楽器を変えて編曲する場合、何か工夫していることはありますか?

Q:なぜ多くの作曲家が他人の曲を編曲してきたのでしょうか?

Q:編曲が行われる理由は他にもあるのでしょうか?

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