コンチェルトとは、独奏楽器とオーケストラのために作られた音楽です。オーケストラがコンサートで演奏する場合、交響曲（オーケストラのみの作品）を演奏することもあれば、協奏曲（ソリストとの共演）を演奏することもあります。独奏楽器がバイオリンの場合は「バイオリン協奏曲」、ピアノの場合は「ピアノ協奏曲」などと呼ばれます。オーケストラはソリストの伴奏を行いますが、演奏のテンポや表現はソリストと指揮者が互いに呼吸を合わせて決めます。指揮者はソリストの意図を聞き取り、オーケストラを適切に導いてバランスをとる役割を担います。
「コンチェルト」という言葉は、イタリア語に由来します。語源は「同意する」「一緒に演奏する」といった意味で、英語の複数形は "concertos" です。
協奏曲は17世紀にイタリアで発展しました。初期の形としては、ソリスト一人で演奏するタイプ（ソロ・コンチェルト）と、複数のソリスト群が登場するタイプ（コンチェルト・グロッソ）がありました。後に各国に広がり、様々な楽器と編成で書かれるようになります。コンチェルト・グロッソは、合奏体（リトル・グルッポ）とオーケストラ全体（リトゥッタ・オルケストラ）との掛け合いを特徴とします。
構成と特徴
多くの協奏曲は、次のような特徴を持ちます。
- 楽章構成：古典派以降は一般に3楽章（速い－遅い－速い）で書かれることが多いです。バロック期や現代作品では異なる構成もあります。
- カデンツァ：第1楽章の終わり近くなどにソリストが技巧を披露する無伴奏の独奏部分（カデンツァ）が入ることが多く、歴史的には即興で演奏されました。現代では作曲者や演奏家による自作のカデンツァを用いることが一般的です。
- 対話性：ソリストとオーケストラ（あるいはリトル・グルッポ）の掛け合いが協奏曲の醍醐味です。ソロの技巧とオーケストラの色彩が交互に登場します。
歴史的な流れ（簡潔に）
- バロック期：ヴィヴァルディやコレッリなどがソロ協奏曲やコンチェルト・グロッソを確立。バッハは《ブランデンブルク協奏曲》などで独自の発展を遂げました。
- 古典派：モーツァルトやハイドンらがより対話的で形式的に整った協奏曲を作曲。ピアノ協奏曲が発展し、管弦楽との緻密なやり取りが重視されました。
- ロマン派：独奏楽器の技巧と表現がさらに拡張。ベートーヴェン、ブラームス、チャイコフスキー、ラフマニノフなどが大作を残しました。
- 20世紀以降：和声やリズムの実験、ジャズや民族音楽の要素を取り入れた作品など、多様化が進みます。
主な種類と例
- ソロ協奏曲：一人のソリストとオーケストラのための協奏曲（例：モーツァルト《ピアノ協奏曲》、ベートーヴェン《ヴァイオリン協奏曲》）。
- 協奏交響曲（コンチェルト・シンフォニコ）：オーケストラ的な性格が強く、協奏曲と交響曲の中間的な作品。
- コンチェルト・グロッソ：複数のソリスト群（コーリ・ディ・チューバ）と全奏の対比を用いるバロック期の形式（例：コレッリ、ヴィヴァルディ）。
- 楽器別：バイオリン、ピアノ、チェロ、フルート、トランペットなど、ほぼすべての独奏楽器に協奏曲があります。
代表的作曲家と名曲（抜粋）
- アントニオ・ヴィヴァルディ：〈四季〉（バイオリン協奏曲集）
- ヨハン・セバスティアン・バッハ：〈ブランデンブルク協奏曲〉（複数の協奏形式）
- ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン：ヴァイオリン協奏曲
- ピョートル・チャイコフスキー：ヴァイオリン協奏曲
- セルゲイ・ラフマニノフ：ピアノ協奏曲第2番、第3番
- ドミートリイ・ショスタコーヴィチ、セルゲイ・プロコフィエフなど：20世紀の重要な協奏曲を多数作曲
演奏上のポイント
協奏曲の演奏では、ソリストのテクニックと表現力だけでなく、オーケストラとの対話が重要です。テンポ、音量、フレージング、アーティキュレーションなどを指揮者とソリストが綿密に合わせることで、曲のドラマが生まれます。カデンツァの扱い（即興風にするか、書かれたものを使うか）も演奏ごとに異なり、聴衆にとっての聴きどころになります。
以上が協奏曲（コンチェルト）の基本的な解説です。歴史や楽器ごとの名曲に触れることで、演奏会での聴きどころがより明確になります。演奏会のプログラムや録音の解説を参照すると、各作品の特色がさらによく分かります。