ナショナル・ギャラリー（ロンドン

ナショナル・ギャラリー・ロンドンは、イギリス・ロンドンにある美術館で、世界でも有数のヨーロッパ絵画のコレクションを有しています。ナショナル・ギャラリーが重要なのは、もっと大きなギャラリーもあるが、ナショナル・ギャラリーは非常に質の高い絵画を多く所蔵していることと、有名な芸術家の作品で非常に希少なものを所蔵しているからである。これらの貴重な絵画には、ドゥッチオ、マサッチオ、ウッチェロ、ピエロ・デラ・フランチェスカ、レオナルド、ジョルジョーネ、ミケランジェロ、カラヴァッジオ、フェルメール、シャルダン、クリムト、ルソー、ルドンなどの作品が含まれています。

ナショナル・ギャラリーは、ロンドンで最も賑やかな観光地のひとつであるトラファルガー・スクエアにある。淡いグレーのライムストーンでできた壮大な建物で、中央にドームがあり、古代ギリシャの神殿のような古典様式の大きなポーチ（portico）があります。ギャラリーの左側には、「セインズベリー・ウィング」という大きな新しい建物があります。

ナショナル・ギャラリー、写真：Yorick Petey

沿革

1823年、サー・ジョージ・ボーモントというコレクターが、自分の有名な絵画コレクションをイギリス政府に寄贈し、パブリック・アート・ギャラリーを始めることを申し出た。1824年、別の有名な絵画コレクションが売りに出された。所有者のジョン・ジュリアス・アンガースタインが亡くなったのだ。彼の絵画はイギリス以外の国で販売されることになりそうだった。さらに、ホルウェル・カー牧師という第3のコレクターからも絵画のオファーがあった。議会は早急に決断しなければならなかった。

国会では、全国的なコレクションを開始し、ギャラリーを建設することが決議された。彼らは6万ポンドを出して、アンガスタインの絵画を購入した。そして38枚の絵を手に入れ、アンガースタイン・ハウスで公開することができたのである。

ボーモント・カーやホルウェル・カーの絵をはじめ、その他の絵が購入されたり贈られたりして、コレクションは急速に増えていきました。新しいギャラリーが必要となった。1831年、建築家ウィリアム・ウィルキンスの計画が採用された。トラファルガー広場を見下ろす場所が選ばれ、古い建物が取り壊され、1838年4月9日に壮大な新ギャラリーがオープンしました。

ナショナル・ギャラリーがオープンした当時は、1400年代後半のハイ・ルネッサンスから1600年代のバロックまでの絵画が最も優れた芸術であるという意見が強かった。1300年代から1400年代前半のイタリア絵画には、プリミティブという言葉が使われていました。幸運なことに、ナショナル・ギャラリーの館長であるチャールズ・イーストレイク卿は、人気の高いハイ・ルネッサンス期の絵画だけでなく、これらのプリミティブな絵画も収集することが重要だと考えました。こうしてナショナル・ギャラリーは、中世末期からルネッサンス初期にかけての非常に珍しい作品を数多く所有するようになったのです。

1870年代、ギャラリーは幸運にも有名なオランダ人画家の2つの絵画コレクションを手に入れました。そのために建物を大きくしなければならなかった。また、イギリスの著名な芸術家の絵画も贈られてきたが、あまりの多さに、そのほとんどがテートと呼ばれる新しいギャラリーに移された。

20世紀に入ると、非常に重要な絵画を購入することが難しくなり、アメリカやドイツの他のギャラリーが同じ絵画を購入しようとしていました。そこで、ナショナル・ギャラリーは、より近代的な画家の作品を購入するようになり、やがて19世紀と20世紀初頭の絵画のコレクションを持つようになりました。これは、ナショナル・ギャラリーのコレクションの大部分ではありませんが、多くの非常に重要なアーティスト、特に印象派の小さな作品が展示されています。

1506年頃に描かれたラファエロの「ピンクの聖母」は、ナショナル・ギャラリーが購入した最新の重要な絵画のひとつです。

重要な絵画

初期のイタリア語

ドゥッチオ《聖母子像》1300年頃、シエナ
マサッチョ《聖母子像》1426年頃、フィレンツェ
フラ・アンジェリコ《栄光のキリスト》1435年頃、フィレンツェ

ウッチェロ《聖ゲオルギウスと竜》1450年頃、フィレンツェ

この絵のストーリーは、お姫様をさらったドラゴンにまつわるキリスト教の伝説です。お姫様はドラゴンを魅了し、ベルトで縛りましたが、逃げることができませんでした。この絵のストーリーは、キリスト教の伝説で、お姫様がドラゴンを魅了し、ベルトで縛ったのですが、お姫様は逃げられませんでした。ジョージはイギリスの守護聖人であるため、ナショナル・ギャラリーにはジョージの絵がたくさんあります。ウッチェロは、地面に明るい部分と暗い部分を配置することで、風景の遠近感を表現しようとしています。この絵では、対角線が重要です。ドラゴンの翼と足が作る線はジョージの槍と同じ方向に、胴体と尻尾は逆方向になっています。

ピエロ・デラ・フランチェスカ《キリストの洗礼》1450年頃、ウンブリア州
マンテーニャ《庭園の苦悩》1460年、マンチュア
ポライウオロ《聖セバスティアンの殉教》1475年、フィレンツェ

サンドロ・ボッティチェリ《火星とヴィーナス》1480年代、フィレンツェ

この絵のストーリーは、ローマ神話に由来しています。戦いの神マルスは、愛の女神ヴィーナスと愛し合っていました。彼はとても疲れていて、小さなファウヌスが彼の武器で遊んでいることに気がつきません。しかし、一人が彼の耳元で大きな砲弾を吹き飛ばそうとしています。この絵のメッセージは、「愛は戦争に勝てる」ということです。デザインは大きなWをベースにしており、左右対称になっています。ボッティチェリはこの絵を、フィレンツェの大貴族ジュリアーノ・デ・メディチの寝室のために描いた。ボッティチェリはジュリアーノに似せて火星を、彼の恋人に似せて金星を描いたが、ジュリアーノはしばらくして殺されてしまったため、絵を楽しむ時間はあまりなかった。

ペルージーノ《天使ミカエルとラファエロのいる聖母子》1496年、ペルージャ
ジョヴァンニ・ベッリーニ《ヴェネツィア総督レオナルド・ロレダーノの肖像》1501年、ヴェネツィア

北欧初期の絵画

画家不詳《ウィルトン・ディプティック》1395年頃、イギリスまたはフランス

イングランドの中世に描かれた小さな美術品のほとんどが破壊されてしまったため、「ウィルトン・ディプティック」は、ナショナル・ギャラリーで最も貴重な絵画のひとつです。この絵は、イングランド王リチャード2世が3人の守護聖人から聖母マリアに献上される様子を描いたものである。テンペラ（卵で色を混ぜる技法）で描かれています。ディプティック」とは、2つの部分に分かれていて、本のように閉じることができるという意味です。背景には薄く叩いた金箔が貼られている。青は半貴石のラピスラズリを砕いたものです。この作品は、フランスに滞在中の国王への結婚祝いとして描かれたものではないでしょうか。

ヤン・ファン・エイク《アルノルフィーニの婚礼》1434年、ベルギー
ハンス・メムリング《聖人と献金者のいる聖母子》1477年、ブルージュ
ロジェ・ファン・デル・ウェイデン《ピエタ》1460年頃、ブリュッセル
ヒエロニムス・ボス《キリストの嘲笑》1480年頃、ボワ・ル・デュック市
アルブレヒト・デューラー《画家の父》1497年、ニュルンベルク

ジェラール・ダヴィッド《聖人と献金者のいる聖母子》1505年、ブルージュ。

この絵は、教会の祭壇画です。聖母マリアが女王のように玉座に座り、幼いイエスを連れている。聖母マリアは、3人の女性聖人と、この絵を教会のために描いてくれた画家にお金を払った男性に拝まれています。彼は "寄贈者 "と呼ばれている。衣服、タイル、宝石、建物、花など、絵に描かれているすべてのものが詳細に描かれています。絵の中の多くのものはシンボルです。小さな犬は、誠実さの象徴です。百合の花は、聖母マリアの純潔の象徴です。この絵は、物語の一部や時間の一瞬を表しているわけではありません。この絵は、見る人が祈りのために心を落ち着かせるために描かれたものです。

ルーカス・クラナッハ「蜂に刺されたキューピッド」1522年、ワイマー
ハンス・ホルベイン《大使たち》1533年アウグスブルク生まれ、ロンドン没。下記参照。
ピーテル・ブリューゲル（Pieter Breughel the Elder）《王家の賛美》1564年、ブリュッセル

1500年代のイタリア

レオナルド・ダ・ヴィンチ《岩窟の聖母》1506年頃、ミラノ。下記参照
ミケランジェロ《キリストの埋葬》1506年頃、ローマ。下の写真をご覧ください。
ラファエロ《アンシデイの聖母》1505年頃。
ジョルジョーネ《王の降誕》1507年、ヴェネツィア

ティツィアーノ《バッカスとアリアドネ》1523年、ヴェネツィア

この絵はギリシャ神話から来ています。アリアドネ姫はバッカスの島であるナクソス島に難破しました。アリアドネを見たバッカスは一目で恋に落ちる。ティツィアーノは、バッカスがチーターに引かれた馬車から飛び降り、アリアドネは逃げようとする姿を描いている。しかし、アリアドネはバッカスの目を見て、恋に落ちたのである。空にはバッカスが結婚の際に彼女に与えた星の冠がある。ティツィアーノは、多くの人物に螺旋状の動きを描いている。それはアリアドネの赤いスカーフにも見られます。この絵は神話を題材にしていますが、人物はとても現実的です。

パルミジャーノ《聖ヨハネのいる聖母子》1527年、パルマ

ロレンツォ・ロット《ルクレティアとしての婦人》1530年、ヴェネツィア

この肖像画は、古代ローマの高貴な女性で、レイプされた後に自分を刺して自殺したルクレティアの絵を手に、色鮮やかなベルベットのドレスを着た女性が描かれています。この絵は、娘の良縁を願う家族のために描かれたのかもしれません。この絵の象徴は、第一に若い女性が裕福であること、第二に性的に純粋であることを示しています。この2つは、良い結婚をするために重要なことでした。ロトは、オレンジと緑のドレスの色のコントラストを使って、豊かな効果を出しています。また、トーンのコントラストにも工夫を凝らしています。彼女の顔、胸元、手などの非常に明るい部分が絵の中心を支配しています。右側にはさらに3つの非常に明るい領域、ドローイング、手、ノートが配置されています。この配置はアシンメトリーです。

ブロンズィーノ《アレゴリー》1550年頃、フィレンツェ。下の写真をご覧ください。
ティントレット《聖ゲオルギウスとドラゴン》1560年代、ヴェネツィア

1600年代のイタリア、フランス、スペイン

カラヴァッジョ《エマオでの晩餐》1600年頃、ローマ

この絵は、聖書の中のある物語に基づいています。エマオへの道を歩いていたイエスの従者2人が、イエスの死について悲しげに話していた。そこに一人の男が現れ、一緒に歩いていたが、最初はその男を知らなかった。その夜、宿屋で夕食をとっていた二人は、突然、それが死からよみがえって今生きているイエスだと知った。カラヴァッジオはこの一瞬を写真のように見せている。この絵をリアルなものにしているのは、光、動き、ディテールです。カラヴァッジオは、片側から差し込む光を、まるで大きなランプがあるかのように描いています。宿屋の主人の頭が、イエスの背後に後光のような影を作っている。イエスが手を上げると、一人の男が立ち上がり、もう一人の男が両手を広げている一瞬を絵は捉えている。宿屋の主人だけがじっとしている。イエスの手、男の腕、そしてもう一人の男の肘が写されている。細部では、古くて破れた普通の服を着た普通の人々が描かれている。また、テーブルの端に置かれたバスケットの静物もある。カラヴァッジョの照明や写実性は、レンブラントやベラスケスなど他の多くの画家が模倣した。

エル・グレコ《神殿から商人たちを追い出すキリスト》1600年頃、トレド
Annibale Carracci, Quo vadis?1602年、ローマ

クロード・ル・ロラン《シバの女王の旅立ち》1648年、フランス・ローマ

この想像上の風景は、聖書の物語に基づいています。シバの女王がソロモン王に会うために、アフリカからパレスチナへの旅に出る場面です。しかし、作家が本当に見せたかったのは、海から昇る朝日の霧のような光でした。また、彼は3種類の建物を描いています。左側には、画家がローマで見たような古代の廃墟があります。背景には、中世の城と塔が描かれています。左側には、ルネッサンス期の新しいスタイルの壮大な宮殿から女王が出てきています。この絵には、アフリカやパレスチナとは何の関係もありません。それはローマについてである。プッサンは「シバの女王」を描くことで、2000年の歴史を持つローマという都市が、これまで生きてきた中で最も美しく聡明な女王のようだと言っているのです。このような絵を「アレゴリー」といいます。

ニコラス・プッサン《バッカナール》1603年、フランス・ローマ

この絵は、ローマ神話の一場面です。女性たちはニンフで、森の精霊です。男たちはサテュロスで、ヤギの角と蹄を持っています。彼らはバッカスの島であるナクソス島に住んでいて、多くの時間を酔っぱらって踊り、愛し合っています。このワイルドなパーティでは、赤ちゃんもワインを飲んでいます。あるニンフは、自分の友人にキスしようとしたサテュロスの頭に、ワインの水差しをぶつけようとしている。プッサンは明るい色を大きな面積で使っている。一見、体がごちゃごちゃしているように見えますが、すべてのものが非常に注意深く配置されており、絵全体に踊りのような効果を与えています。大きな三角形の中に、すべての人物が入っています。三角形の外側の右側にはパンの像があります。左側には美しい風景が広がっています。

ディエゴ・ベラスケス《ロケビーのヴィーナス》1649年、マドリード。

この絵はローマ神話から引用されたものです。愛と美の女神であるヴィーナスが、息子のキューピッドが持つ鏡を覗き込んでいる様子が描かれている。ベラスケスは、スペインの王室やその親族のために肖像画を描くことにほとんどの時間を費やした。彼は史上最も有名な肖像画家の一人である。しかし、この絵はおそらく自分のために描いたものであり、それを描いたとき、彼は重大な処罰の危険にさらされた。スペインでは、国王が統治しているとはいえ、教会が支配していた。彼らは皆の行動を全て監視し、非常に多くの人々を死刑にしていました。スペインでは、このような裸体画を描くことは法律違反でした。ベラスケスは彼女の背中だけを見せるように細心の注意を払っている。顔の画像はあまり鮮明ではない。昔の鏡は現代のものほど鮮明ではなかった。おそらくベラスケスは女性の保護のために顔を隠したかったのだろう。この絵の配置と色使いは非常にシンプルである。身体の優美なラインは、グレーと白のベッドカバーで繰り返されている。赤いカーテンは彼女の頭と同じ角度にあり、彼女のピンクの肌と同じように暖かい色をしている。

ムリーリョ《二つの三位一体》1681年、セビーリャ

1600年代のオランダ・フランドル地方

ゲリット・フォン・ホンソルスト《大祭司の前のキリスト》1617年、ユトレヒト

レンブラント《ベルシャザールの饗宴》1630年代、ライデン

レンブラントは肖像画の画家としてよく知られていますが、特に10代から老年期までの人生を記録した多くの自画像が有名です。また、このような聖書の場面も多く描いている。ベルシャザール王子の父親は、ユダヤ人を奴隷としてバビロンに連れて行っていた。ベルシャザールはパーティーを開いていて、エルサレムの神殿から盗まれた金の杯を持ってくるように召使を送りました。すると突然、不思議な手が現れて、壁にメッセージを書き込んだ。その意味が誰にもわからなかったので、バルシャザールはユダヤ人の預言者であるダニエルに尋ねました。ダニエルは、「あなたは神によって量られ、測られた。あなたは神のルールに合わない。あなたの日々は数えられているのだ！"この絵を見ると、オランダの画家たちがいかにカラヴァッジョから学んだかがわかります。この絵は「エマオの晩餐」と比較することができます。これもドラマチックなシーンだ。レンブラントは2人の人物を異常な角度で配置している。ベルシャザールの体はこちらを向いていますが、彼の頭は後ろで何が起こっているのかを見るために回転しています。ベルシャザールは椅子から飛び上がるときに、妻の一人が持っていた金の杯を落としています。彼女の頭と肩を見下ろしているため、彼女も奇妙な角度になっています。レンブラントは、彼のローブの豊かな質感と、彼のたるんだ顔や太った腹との間にコントラストをつけている。

アンソニー・ヴァン・ダイク《馬に乗ったイングランドのチャールズ1世》1631年、ロンドン。下記参照。

ピーター・ポール・ルーベンス《パリの審判》1632年、アントワープ

ルーベンスはお金持ちになるほど人気のある画家でした。彼は肖像画をはじめ、聖書や神話の場面を多く描いています。この絵のストーリーは、ギリシャ・ローマ神話のものです。パリスは羊飼いに育てられた王子でした。彼は黄金のリンゴを与えられ、3人の女神による美人コンテストの審査を依頼されます。家庭の女神ジュノー、戦争の女神ミネルバ、愛の女神ヴィーナスである。それぞれの女神は、富、戦いでの成功、そして世界で最も美しい女性を妻にするという報酬を提示しました。パリスは最後の1つを選び、リンゴをヴィーナスに渡しました。このことで、2人の大きな権力者が怒りました。しかも、世界で最も美しい女性、トロイのヘレンがすでに結婚していることに気づかなかったのです。ルーベンスは、お金持ちのパトロンの家の壁を飾るために絵を描きました。この絵には、物語を語るのに役立つたくさんのディテールがあります。小さなキューピッド、牧羊犬、ユノの孔雀、ミネルバの怖い盾、美しい風景の中で草を食む羊などです。しかし、この絵の中で最も重要なものは、3人の美しいヌードである。これがルーベンの絵の人気の秘密だった。

フランツ・ハルス《家族の集合》1640年代、アントワープ
ピーテル・デル・ホーホ《デルフトの中庭》1658年、デルフト。下の写真をご覧ください。
ヨハネス・フェルメール《処女膜の若い女性》1670年頃、デルフト。下の写真をご覧ください。

マインダートホブベマ、ザ・アヴェニュー、1689年、ミデルハーニス

1600年代のオランダでは、風景画がとても人気がありました。この絵では、遠近法がとても重要です。平坦な国では、物の遠さを判断するのは難しいものです。ホッベマは、このまっすぐな道と2列の高い木を使って、町の遠さを感じさせています。この絵は、一見すると左右対称に見えます。しかし、ホブベマはこの絵をより面白くするために、たくさんの違いを加えています。一方では農家、もう一方では教会がバランスよく配置され、2本の並木道は全く違うものになっています。

1700年代

ワトー《恋人たち》1720年頃、フランス
ジャンバッティスタ・ピットーニ《ポリクセナの生け贄》1740年、ヴェネツィア
カナレット《昇天日のサン・マルコの水盤》1740年頃、ヴェネツィア
シャルダン《小さな先生》1740年頃、パリ。下記参照
ウィリアム・ホガース『Marriage a la Mode ( a story in six pictures )』1743年、ロンドン

ジョージ・スタッブス《A Family in their Phaeton》1750年頃、イギリス

1700年代のイギリスでは、風景画が人気を博していましたが、それは単に部屋の装飾として描かれた美しい田園風景の絵ではありませんでした。風景画の多くは、一族とその土地の記録でもありました。一家の富と地位を示すものだったのです。この絵では、土地の所有者が、様々な木が植えられたプライベートな公園を見せています。また、2頭の立派な馬と「フェートン」と呼ばれる優雅な馬車を見せています。この馬車と馬は、18世紀の高価な自動車に相当するものです。スタッブスは馬の絵で最も有名である。彼は美しい絵を構成するのが得意でした。ここでは、暗い木の上に置かれた女性の大きなファッショナブルな帽子と、淡い空に映える黒い馬のバランスがとれています。

ティエポロ《愛と時間のアレゴリー》1754年、イタリア
ジョシュア・レイノルズ、バナストル・タールトン卿、1782年、ロンドン
トーマス・ゲインズボロー《朝の散歩》1786年、ロンドン
ゴヤ《ウェリントン公爵》1812年、スペインとフランス

1800年以降

ターナー《テメレール号》1838年、ロンドン

これは悲しい絵です。正式名称は「The Fighting Temeraire tugged to her last Berth to be broken up as scrap」である。トラファルガーの戦いでイギリスのためにフランス艦隊と戦った偉大な軍艦の一つが、これが最後の旅となる。その背の高い優美な姿は、煙を吐く漏斗を持つ黒く汚れたタグボートが曳航する姿とは対照的である。海や空、天候を描くのが得意だったターナーは、帆船の近くの空に月を置いている。月はその最後の段階にある。画面の反対側では、太陽が水面に火のような赤い光を放って昇っている。欠けていく月は、偉大な帆船の時代が過ぎ去っていくことの象徴である。水面に浮かぶ炎のような太陽は、蒸気機関の新時代の象徴である。

コンスタブル《The Haywain》1821年、サフォーク
Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris.
クールベ《セーヌ河畔の女たち》1857年、フランス

アンリ・ファンタン＝ラトゥール《皿の上のリンゴ》1861年、フランス

この絵は静物画です。ルネッサンス期には、宮殿の重要な部屋の中に静物画の彫刻が木製の装飾の一部として施されることが多かった。1600年代、1700年代になると、静物画も一般的になり、果物や花、食肉用に殺された動物などがおしゃれに飾られたダイニングルームでよく見られるようになりました。1800年代に入ると、ファンタン＝ラトゥールのような多くの画家が、絵の配置や光の加減、質感などを練習するために、このような小さな静物画を描きました。また、貧しくてモデルを雇うことができなかったり、天気が悪くて風景画を描くことができなかったりしたために、静物画を描いた人も多かったようです。ファンタン＝ラトゥールは、このような小さな絵をたくさん描いています。色や形の違う4つのリンゴを並べて、曲面に光が当たる様子を観察しています。

マネ《ウェイトレス》1879年、パリ
クロード・モネ《国会議事堂》（ロンドン）フランスの画家。以下をご覧ください。
ルノワール《雨傘》1880年頃、フランス

スーラ《アスニエールの水浴》1884年、フランス

スーラは、フランスの印象派の画家たちと親交がありました。彼は、すべての色はたくさんの色で構成されていて、光が目に入るとそれが整理されるという理論を持っていました。彼は小さな点で描くことで色を実験しました。彼の絵画スタイルは点描主義と呼ばれています。この大きな絵を描くのには長い時間がかかりました。屋外で人物がたくさん描かれているにもかかわらず、時間が止まっているかのように静まり返っています。よく見ると、白や黒に見える部分も、何百もの小さな色の点でできていることがわかります。

エドガー・ドガ《髪を梳く》1885年頃、パリ
セザンヌ《プロヴァンスの山》1890年、プロヴァンス

フィンセント・ファン・ゴッホ《糸杉のある風景》1890年頃、フランス

フィンセント・ファン・ゴッホは、困難で問題の多い人生を送った。彼はオランダで生まれたが、フランスで絵を描き始めた。彼には友人がほとんどおらず、絵を売るのにも苦労した。幸運なことに、彼は弟のテオと、絵を描いてくれた医者の支援を受けていました。この風景画は、彼のスタイルをよく表していると思います。この絵の中では、すべてのものがそれ自身の生命を持っているように見えます。雲は空を転がる大きな獣のようであり、波打つ穀物は手のように伸び、山はゴロゴロしており、ヒノキの松はかなり危険な感じがします。フィンセントはこの炎のような動きを出すために、一筆一筆を大切にしました。この絵でもうひとつ重要なことは、コントラストです。暖かな赤橙色から氷のような青色へと色が変化していきます。右側の大きな黒い木は、白い雲と色調が対照的です。また、木の垂直方向と風景の水平方向が対照的です。1890年、ヴィンセントはわずか5年間で数百枚の絵を描いた後、自ら命を絶った。